i film - Shango la pistola infallibile

1970 SHANGO LA PISTOLA INFALLIBILE
di Edoardo Mulargia con Anthony Steffen, Eduardo Fajardo, Maurice Poli, Barbara Nelli, Giusva Fioravanti, Gabriella Giorgelli

Shango fa rima con Django naturalmente, ma se vogliamo è anche il nome di uno spirito della tradizione vudù. Però il Shango di questo film (il solito marmoreo Steffen, nel bene e nel male - qui doppiato in maniera curiosa) non ha nulla di demoniaco, anzi è un normale ranger fin troppo ligio al dovere, che si trova a dover guidare la resistenza dei peones in un paesino angariato da una banda di sudisti e bandoleros. I sudisti sono guidati dal bastardissimo Eduardo Fajardo (il cattivo di "Django", guarda caso), che tiene nascosto ai suoi uomini che la guerra è finita da un pezzo. Non si capisce bene perché per tre quarti di film Shango si dia alla macchia organizzando i peones, visto che alla fine tocca sempre solo a lui far fuori i cattivi a carrettate.



Western naif, potabile e ben fatto, non era così scontato se si considera che è diretto dal poco affidabile Edoardo Mulargia. Probabilmente, potendo contare per una volta su un budget non da morti di fame come i suoi soliti, il regista ha potuto permettersi un po' più di cura nel fare il suo lavoro e persino un minimo di ambizioni, pur senza uguagliare il suo miglior risultato. O forse, come spesso accadeva nel cinema di genere, alcuni elementi di pregio nobilitavano tutto l'insieme. In questo caso i pregi sono una fotografia di grande effetto, livida e invernale, che immerge la storia in un' atmosfera triste e uggiosa (doveva fare un freddo cane durante le riprese, a giudicare dai grandi sbuffi di alito), una colonna sonora bella e suggestiva, più da thriller che da western, un montaggio efficace, interpreti con la facce giuste al posto giusto.

Ma soprattutto il film può contare su una forte idea di fondo: la vicenda rimanda in maniera evidente alla Repubblica di Salò, alla resistenza partigiana, alle rappresaglie naziste e fasciste, ammantando il tutto di un alone più sinistro e concreto.



I punti deboli sono una trama scheletrica, personaggi che ogni tanto fanno cose assurde e soprattutto dei dialoghi decisamente alla buona, con roboanti massime sulla libertà e uno svarione epocale, ripetuto per ben due volte: i sudisti parlano di se stessi come dell'esercito dell'Unione! Da non credere alle proprie orecchie.

Bello l'inizio allucinato e vagamente psichedelico, che salta ogni preambolo e vede Shango già fatto prigioniero e rinchiuso in una gabbia sospesa. Le stesse soluzioni visive vengono poi riprese nell'altrettanto allucinata resa dei conti finale, dove flashback e allucinazioni si mescolano alla realtà.
Un film dove si ammazza parecchio e Shango, un po' precursore di Rambo, si prodiga in divertenti e fantasiosi ammazzamenti per sfoltire le file del nemico. In generale notevole la carica di crudeltà, con anche donne e bambini ammazzati come cani. Anche il bambino che all'inizio salva Shango ci rimette poi la pelle, ma visto che è interpretato dal futuro terrorista nero e pluriassassino Giusva Fioravanti (oggi tranquillamente a piede libero nonostante il non pentimento e i molti ergastoli) è difficile dispiacersene più di tanto.



Sgangherato e sfilacciato come saranno poi molti western all'italiana negli anni 70, ma con uno suo fascino e un'atmosfera che lascia il segno. Da riscoprire, se non proprio da rivalutare.

i registi 19 - José Antonio de la Loma

Due piccoli western senza eroi

Prolifico sceneggiatore, direttore di produzione e regista José Antonio de la Loma ha attraversato quasi cinquant'anni di cinema spagnolo senza lasciare grandi tracce dietro di sé, almeno da noi in Italia. Nel western come sceneggiatore firmò tredici pellicole, soprattutto come assiduo collaboratore dei tre fratelli Balcázar, produttori e registi che furono delle autentiche colonne del versante più spagnolo degli "spaghetti". Tredici film di solida serie B che probabilmente vedono come titolo più interessante quello di "Professionisti per un massacro" di Nando Cicero. Come regista nel genere ha invece diretto solo due misconosciuti, ma interessanti filmetti, che curiosamente si collocano agli estremi della parabola commerciale degli spaghetti western, agli albori del genere subito dopo "Per un pugno di dollari" e al suo crepuscolo quando ormai il filone era degenerato nel comicarolo.



1965 Perché uccidi ancora?
di José Antonio de la Loma [e Edoardo Mulargia] con Anthony Steffen, Evelyn Stewart, Aldo Berti, Gemma Cuervo, José Calvo, Hugo Blanco, José Torres, Ignazio Spalla

Come a volte capitava all'epoca il film ha una doppia attribuzione per la regia. Nelle copie spagnole è firmato da de la Loma, in quelle italiane da Edoardo Mulargia. Per spirito campanilista in Italia il film passa in genere come l'esordio nel genere del regista italiano, ma si fatica ad attribuire a Mulargia (regista sgangherato come pochi, pur non privo di sporadiche alzate d'ingegno) la compostezza classica e quasi americana del film. Inoltre sembrano molto spagnoli anche il tono melodrammatico di molte sequenze e il sottofondo vagamente morale della vicenda. Ipotizziamo che a Mulargia possano essere attribuite forse le numerose sequenze di sparatorie a cavallo, che in effetti sembrano girate da una mano diversa rispetto al resto del film, con l'uso frequente della cinepresa a mano, caratterizzate da un montaggio più frenetico e inquadrature più moderne.

Realizzato sulla scia di "Per un pugno di dollari", Perché uccidi ancora? è uno dei primi titoli del filone interamente basati sul poi iper-sfruttato canovaccio del protagonista che deve massacrare in serie un certo numero di personaggi per vendicare un delitto visto all'inizio del film. Anthony Steffen, al suo secondo "spaghetti" da protagonista dopo "Una bara per lo sceriffo", funziona particolarmente bene. Parla poco e la sua nota inespressività ben si adatta al carattere di un personaggio con una sola idea fissa in testa.



La trama è per molti versi una variante di quella del primo western di Leone, con la novità che il protagonista non è il terzo incomodo tra due famiglie nemiche, ma l'unico rappresentante combattente di una delle due parti in causa. Nel prologo suo padre viene legato ad un albero e poi massacrato da ben ventisette pistoleri che gli sparano un colpo a turno - non abbiamo tenuto il conto se poi il protagonista nel corso del film ne ucciderà esattamente ventisette, ma occhio e croce dovremmo esserci. In pratica è la storia di una faida tra due famiglie e la cosa interessante è che i torti non stanno solo da una parte. Accecato dalla sua ossessione per la vendetta il protagonista non ascolta ragioni e non è meno crudele dei suoi avversari. In una scena accoppa il figlio del cattivo e gli scarica il cadavere davanti a casa. Le sole dotate di buon senso in un universo maschile votato al massacro reciproco sono le due uniche donne del film, che cercano melodrammaticamente di far desistere i loro uomini dai loro propositi di vendetta. Una, innamorata del protagonista nonostante sia la figlia del boss del clan avversario, viene ammazzata a sangue freddo, l'altra (la sempre bellissima Evelyn Stewart / Ida Galli), che è la sorella del protagonista, subirà curiosamente al posto del fratello il rituale pestaggio nel prefinale dei western all'italiana. Il sacrificio delle donne umanizzerà il fin lì scostante protagonista, tanto che per ammazzare l'ultimo dei cattivi e salvarsi deve farsi aiutare dalla sorella e da un sicario pentito.

Gli autori non avevano ancora assimilato le novità stilistiche del cinema di Leone e quindi il film ha ancora un'aria molto naif, ma alcune idee avevano già attecchito: l'esasperazione della violenza, una crudeltà diffusa, le sparatorie fulminee, la visione di un west polveroso e desolato, un protagonista glaciale e implacabile.
I limiti evidenti della pellicola sono una dignitosa, ma plateale, povertà di mezzi e una storia quasi inesistente. Praticamente tutto il film non è altro che una serie di duelli, agguati e inseguimenti, con i personaggi che sembrano entrare in scena un po' per caso e poi morire quando capita. Il tutto è girato però abbastanza decorosamente da essere divertente.



1972 Nevada (El más fabuloso golpe del Far-West)
di José Antonio de la Loma con Mark Edwards, Fernando Sancho, Carmen Sevilla, Charly Bravo, Piero Lulli, Frank Braña, Yvan Verella, Barbara Carrol, Fernando Bilbao

Se il film precedente gode di un minimo di notorietà presso i cultori del genere, almeno per via della presenza di Steffen, il secondo western di de la Loma da regista è stato ignorato all'epoca e poi è caduto nel dimenticatoio. La cosa non stupisce più di tanto, dato che il film uscì in piena mania di "fagioli western", con i sempre più rari western seri relegati alle produzioni di serie Z. Non solo Nevada non era un western comico, ma era un raro esempio di western europeo influenzato dal filone crepuscolare e revisionista del cinema americano dell'epoca. A cominciare da una livida e affascinante ambientazione invernale, tra boschi coperti di neve e una cittadina dalle strade infangate.

La storia è quella di una rapina in banca. Non proprio "il più favoloso colpo del Far West" come prometteva il roboante titolo spagnolo, ma un buon colpo. Per metterlo in atto i banditi devono scavare un tunnel sotto la città, mescolandosi nel frattempo alla vita dei paesani. Quindi c'è tutta una prima parte corale e di attesa, priva di un protagonista centrale e d'azione, con il tentativo particolare, per un western europeo, di ricostruire sullo schermo con una certa credibilità la vita quotidiana di un paese del vecchio west (limiti di budget permettendo). Nessun attore di spicco, ma ci sono molti noti faccioni da caratteristi nel cast, il che accentua ulteriormente l'aria crepuscolare del film. I più conosciuti sono quelli di Fernando Sancho (che nonostante il consueto sombrero interpreta per una volta un personaggio diverso dai suoi soliti), Piero Lulli e Frank Braña. L'australiano Mark Edwars, il capo dandy della banda, era invece un novizio degli spaghetti western.



Nonostante il buon cast, i personaggi e i dialoghi non sono però molto interessanti e alcuni particolari sopra le righe durante la rapina stridono con il tentato realismo della messa in scena. Quel che funziona di più è la parte ironica con Fernando Sancho che prende sotto la sua protezione una bella e prosperosa ragazzina, ma è combattuto tra il portarsela a letto o il fargli da figura paterna. Quel che funziona meno è tutta una manfrina sulla rivalità tra due sorelle, una puttana e l'altra maestrina, entrambe amanti dello stesso bandito, una linea narrativa che poi si rivelerà di scarso peso nella trama. Probabilmente era giusto la scusa per qualche vaghissimo ammiccamento erotico.

Dopo la rapina a metà film i banditi fuggono dal paese e si danno appuntamento al loro rifugio in montagna. Qui inizia la parte più interessante del film, che si trasforma in una variante western di "Dieci piccoli indiani", dato che il bottino sparisce e qualcuno di loro inizia a far fuori gli altri per non spartire. Non avendo potuto identificare un protagonista lo spettatore non può prevedere chi muore o fare particolari ipotesi sull'identità dell'assassino, quindi il film riesce a piazzare lì un bel paio di colpi di scena, fino ad arrivare ad un finale particolarmente beffardo che si ricollega alla prima parte. A impreziosire il tutto c'è la magnifica ambientazione innevata, con diverse sequenze girate sotto autentiche e fitte nevicate, con gli attori che arrancano realmente in  un metro e mezzo di neve.

i film 40 - Arriva Sabata! / Los bandidos del ford

1970 Arriva Sabata! (Los bandidos del ford / Reza por tu alma... y muere)

di Tullio Demicheli con Peter Lee Lawrence, Anthony Steffen, Eduardo Fajardo, Alfredo Mayo, Alfonso Rojas, Rossana Rovere, Tito Garcia, Cris Huerta

Pellicola interessante e poco conosciuta, anche perché per molti anni praticamente irreperibile. Dopo Garringo di due anni prima, è il secondo film che mette insieme i due volti più noti della "serie B" del western all’italiana: Anthony Steffen, che con i suoi 24 titoli può probabilmente essere considerato l’attore protagonista più utilizzato del genere, e Peter Lee Lawrence, che si difende altrettanto bene con i suoi 16 titoli (più il cameo d’esordio in "Per qualche dollaro in più": l’uomo ucciso da l'Indio nel flashback).

Buon esempio di come la proposta delle produzioni di seconda fila del nostro western fosse più varia di quanto in genere non si dica e non si creda. Anche per colpa dei produttori e distributori che non trovavano di meglio che appiccicare ai film il soliti titoli truffaldini e fuorvianti. In questo caso Sabata sarebbe il personaggio di Steffen, ma è evidentemente un richiamo posticcio, perché personaggio (che infatti in origine era un anonimo John) e film non c’entrano assolutamente nulla con il noto dittico interpretato da Lee Van Cleef. 

Come invece è intuibile da uno dei titoli spagnoli, "Los bandidos del Ford", dovuto al fatto che per gran parte del film i tre protagonisti si spostano per il west su un'automobile, è il curioso e raro esempio di un western all’italiana fortemente influenzato dal clima revisionista dell'allora nascente New Hollywood. La caratterizzazione dei personaggi e il tono scanzonato che vira nel drammatico sono chiaramente ispirati a "Butch Cassidy", ma c’è anche una forte influenza di un titolo essenziale di quegli anni come "Gangster Story" di Arthur Penn, tanto che a larghi sprazzi il film assomiglia più ad un film sui gangster degli anni 30 che ad un western, con tanto di anacronistico e a tratti un po' fastidioso motivetto jazz nella colonna sonora. Evidente anche l’influenza de "Il mucchio selvaggio", citato a più riprese. Non solo il film si apre e chiude allo stesso modo del film di Peckinpah - rapina in banca e massacro finale in un'aia messicana - ma vede anche la presenza "crepuscolare" di automobili, fucili a pompa e pistole automatiche.

Va da sé che i riferimenti ai film americani restano ad un livello superficiale e puramente estetico. Di base è il classico western picaresco all’italiana, con tre compari che compiono una rapina, scappano con il bottino, gliene capitano di tutti i colori e alla fine tentano di fregarsi a vicenda. Steffen e soprattutto Lawrence se la cavano bene interpretando due personaggi sornioni modellati su quelli di Paul Newman e Robert Redford in "Butch Cassidy", Fajardo gigioneggia nella parte di Mangusta, il classico messicano straccione e volpesco alla Tuco. La regia di Demicheli è professionalmente anonima, ottima nelle scene d’azione, anche grazie ha un gran lavoro dei cascatori, più spenta nelle sequenze di raccordo e dialogo. Delle novità stilistiche portate dai colleghi americani riprende solo da "Gangster Story" l’idea di raccontare le rapine con i toni delle ballate. 

Ma proprio nella sua svagata ripresa di elementi "alti", che vengono mescolati e poi apparecchiati secondo un’estetica "bassa" da film di genere senza tante ambizioni, la pellicola trova una sua efficacia. Imbevuto del totale cinismo degli spaghetti western, privo del lato più o meno disperato dei modelli americani, il film è un'operina scattante e priva di morale, dove anche il finale drammatico e funereo ha più del ghignante che non di amaramente crepuscolare. È anche uno dei finali più bruschi e repentini della storia degli spaghetti western, in questo sicuramente degno della tradizione del cinema americano di quegli anni.

i registi 11 - Sergio Martino

SERGIO MARTINO
Un regista per tutte le stagioni

Nella meritoria opera di riscoperta e recupero di quel ricco e variegato patrimonio cinematografico e culturale italiano che è stato il “cinema di genere” non ha forse ancora goduto dell’attenzione critica che merita il nome di Sergio Martino, prolifico regista affacciatosi alla ribalta cinematografica all’inizio degli anni settanta che pur non possedendo forse particolari doti di personalità si è dimostrato capace di affrontare con solida e consumata abilità professionale tutte le sfumature del cinema popolare del tempo, realizzando pellicole di grande ritmo e forza visiva.

La sua versatilità gli ha permesso di affrontare con disinvoltura e notevoli risultati tutti i generi in voga negli anni settanta, a partire dal thriller argentiano (Lo strano vizio della signora Wardh, La coda dello scorpione, Tutti i colori del buio, Il tuo vizio è una stanza chiusa e solo io ne ho le chiavi e soprattutto I corpi presentano tracce di violenza carnale, piccolo oggetto di culto negli Stati Uniti, dove è conosciuto con il titolo di Torso) per proseguire con il poliziottesco (dove ha dimostrato di essere uno dei pochi autori interessati all’aspetto sociologico e politico delle trame poliziesche, con film come Milano trema: la polizia vuole giustizia, La polizia accusa: il servizio segreto uccide, La città gioca d’azzardo e Morte sospetta di una minorenne) fino all’avventuroso (con la trilogia La montagna del Dio cannibale, L’isola degli uomini pesce e Il fiume del grande caimano), senza dimenticare la sua lunga militanza nella commedia sexy e di costume e nella fiction televisiva, protrattesi fino a pochissimi anni fa.

Purtroppo il regista non ha avuto invece la possibilità di dedicarsi con continuità al western, poiché quando ha iniziato la sua carriera cinematografica il filone stava già imboccando la sua fase discendente, e, oltre a firmare la sceneggiatura di Per 100.000 dollari t'ammazzo di Giovanni Fago, ha consegnato al genere solo due pellicole, entrambe di ottima fattura.

1970 ARIZONA SI SCATENÒ... E LI FECE FUORI TUTTI di Sergio Martino con Anthony Steffen, Rosalba Neri, Aldo Sambrell, Roberto Camardiel, José Manuel Martín, Raf Baldassarre, Gildo Di Marco

Dei due western girati dal solidissimo Sergio Martino tutti si ricordano il secondo, il tardo e crepuscolare Mannaja con Maurizio Merli, ma probabilmente questo suo primo, dimenticato, "spaghetti" è decisamente meglio, molto più compatto e divertente. Rappresenta il ritorno, per una volta non truffaldino, del personaggio di Arizona Colt, protagonista dell'omonimo film, una delle pellicole migliori con Giuliano Gemma. Ma visto che al posto dell'atletico e sarcastico Gemma c'è il marmoreo e statico Anthony Steffen ci troviamo di fronte ad un personaggio molto diverso. L'Arizona Colt di questo seguito è un po' più straccione, un po' meno cinico, molto più indolente e pigro, tanto che sembra prefigurare il personaggio di Trinità. Steffen al solito pare fatto di legno ed ha un' unica espressione, ma compensava i suoi molti limiti recitativi con un'adeguata aderenza fisica ai ruoli che gli assegnavano. In questo film non solo funziona, ma porta a casa una delle sue prove migliori. Dal primo film torna invece il panciuto Caramadiel nel ruolo di Doppio Whiskey, senza più berretto alla Davy Crockett, ma più allegramente alcolizzato che mai. La scena in cui sopravvive a delle ferite mortali scolandosi decine di bottiglie di whiskey non la consiglieremo come pubblicità progresso contro l’alcolismo. Dalla pellicola con Gemma torna anche la sempre conturbante Rosalba Neri, e anche stavolta ci lascia le penne in modo piuttosto brutale. Al posto di Fernando Sancho c'è invece il più misurato Aldo Sambrell, che disegna un cattivo meno folcloristico, ma bastardo e carogna al punto giusto.

Il film sconta una trama abbastanza insignificante, che non suscita grandi interessi, ma nonostante gli evidenti limiti di budget è un film girato molto bene, con una regia ricca di idee e invenzioni. La prima parte ricalca il tono del film con Gemma, riproponendo lo stessa cinica miscela di violenza e commedia. Carina tutta la scena dell’impiccagione in piazza, con un Arizona imperturbabile che si fa impiccare sorridendo e poi se ne va in giro per la città come se niente fosse. Ma è l’ultima mezzora la più interessante, con una imprevista svolta nel melodrammatico e un'atmosfera che si fa triste e violenta. Doppio Whiskey viene massacrato,  Arizona viene torturato e gli uccidono la donna davanti agli occhi. Molti personaggi rivelano delle sfumature insospettate, dell’ambiguissimo personaggio della Neri che fa una gran morte, alla macchietta interpretata del bravo caratterista strabico Gildo Di Marco, che alla fine si scopre essere un personaggio molto più umano e malinconico del previsto. 

Contagiosa la musica di Bruno Nicolai, anche se decisamente troppo allegra in alcuni momenti.

1977 MANNAJA di Sergio Martino, con Maurizio Merli, John Steiner, Donal O'Brien, Sonja Jeannine, Philippe Leroy, Martine Brochard, Enzo Fiermonte

Bel western ecologista diretto quasi come un horror dal bravo Sergio Martino, regista che darà il meglio di sé nel thriller e nel poliziesco.

E’ anche l’unico spaghetti western interpretato dall'eroe di tanti polizieschi Maurizio Merli.

Purtroppo arriva al genere troppo tardi, quando è già morto e quasi sepolto. Il film, infatti, è già un post-western, girato sull’onda del (relativo) successo di Keoma (da quel film arrivano direttamente anche i fratelli De Angelis, autori di tante colonne sonore dei film di Spencer & Hill).

Il film è stato girato nel villaggio western, ormai fatiscente, di Cinecittà e nel Gran Sasso, ma il mestiere di Martino riesce a valorizzare questi scenari, rendendoli un valore aggiunto al fascino del film.

Antonio Bruschini lo ha definito un western medioevale, "per l’atmosfera apocalittica, i paesaggi devastati, nebbiosi e fangosi e il look dei personaggi, più simili a cavalieri medioevali che non ai classici pistoleri della frontiera".

La pellicola è indubbiamente famosa e "di culto" anche per le scene di sadismo e violenza (il Morandini lo liquida così: "sagra sadica di violenza efferata, vietato ai minori di 18 anni, una volta tanto a ragione"). Da antologia in particolare la scena iniziale, dove l’accetta di Merli mozza la mano a un ricercato (il grande Donal O’Brien) dopo un inseguimento nelle paludi.

Il personaggio è stato omaggiato dal regista americano Robert Rodriguez nel fake trailer di Grindhouse - Planet Terror e poi con il film Machete.

Mauro Mihich & Tommaso Sega

le monografie 1 - Una trilogia "biblica"

LA TRILOGIA "BIBLICA"
DEL WESTERN ALL'ITALIANA

Dio disse ad Abramo: “Uccidi un tuo figlio per me”

Abe disse: “Amico, mi stai prendendo in giro?”

Dio disse: “No.”

Abe disse “Cosa?”

Dio disse: “Abe, fa' quel che ti pare, ma la prossima volta che mi vedi è meglio se sparisci.”

(Highway 61 Revisited, Bob Dylan 1965)

Tre film, tre notevoli ed intriganti western all'italiana, attraversati da echi biblici risalenti ad archetipi quali Caino, Abele e Abramo, uniti dal filo rosso di tematiche quali l'irriducibilità del Male nell'animo di ogni essere umano e dell'irrazionalità con cui esplode e si manifesta. Ad accomunarli anche delle atmosfere di affascinante ed insolita tristezza, alcune finezze psicologiche assolutamente inedite per i western nostrani e un gusto per le sequenze oniriche ed irreali.

Tre film che rappresentano dei casi isolati nelle piuttosto modeste carriere cinematografiche dei due autori, il tuttofare Alberto Cardone (1920 - 1977), che dirige i primi due, e il produttore Mario Siciliano (1925 - 1987), che dopo aver prodotto gli altri dirige da solo il terzo. È quest'ultimo con tutta probabilità da considerare il vero autore della trilogia, soprattutto considerando la pochezza dei successivi western di Cardone senza la sua supervisione. Come già verificato in un caso eclatante come quello di Nando Cicero, ad una generazione di registi italiani il western evidentemente regalò il soffio di un'ispirazione che subito svaporava a contatto con altri generi.

1966 7 DOLLARI SUL ROSSO di Alberto Cardone

con Anthony Steffen, Fernando Sancho, Jerry Wilson, Loredana Nusciak, Elisa Montés

Anche se i pezzi da novanta sono le due pellicole successive, non va sottovalutato questo primo capitolo, dallo stile più impalato e naïf, ma di grande fascino, tutto basato su inquadrature larghissime e classicamente posate, che creano un' atmosfera strana e irreale, quasi metafisica. Storia decisamente triste intrisa di un fatalismo inconsueto anche per i non certo allegrissimi standard dei western spaghetti di quei primi anni. Anthony Steffen è alla disperata ricerca del figlio rapito tanti anni prima da una banda di fuorilegge, ma ignora che nel frattempo il figlio è diventato peggiore dei suoi rapitori. Gran finale tragico di conseguenza.

“[...]è una sorta di tragedia greca in chiave western e con echi biblici, ma l’atmosfera di cupa disperazione e la violenza grafica non sono esasperate come nel film successivo e la regia di Cardone è ancora abbastanza convenzionale, senza i momenti visionari e i tocchi di genio che contraddistingueranno “Mille dollari sul nero”. Inoltre manca anche un personaggio forte come il Sartana-Gianni Garko di quel film.

Il finalone melodrammatico sotto la pioggia con il duello nella main street tra padre e figlio, però, è assolutamente notevole.

La storia è una riuscita variazione sul tema della vendetta, particolarmente apprezzabile per il fatto che tutti i personaggi siano votati alla sconfitta e destinati a soccombere al destino inesorabile. Piuttosto efficaci sia il solitamente ingessato Anthony Steffen in un ruolo piuttosto sfaccettato rispetto agli abituali suoi che Fernando Sancho in una parte quasi da protagonista, nel suo personaggio classico del bandito messicano spietato, sanguinario e dalla roboante risata.

Bella la colonna sonora di Francesco de Masi.

Il titolo che sembra riferirsi a una puntata alla roulette in realtà allude ai sette dollari gettati dal cattivo sulla gonna rossa della moglie del protagonista appena uccisa" (Mauro Mihich).

1966 MILLE DOLLARI SUL NERO di Alberto Cardone (e Mario Siciliano)

con Anthony Steffen, Gianni Garko, Erika Blanc, Sieghardt Rupp, Angelica Ott, Sal Borgese

Il primo film con Sartana, già interpretato da Gianni Garko ma ancora connotato come personaggio folle e negativo. E’ uno spaghetti western nero e cupissimo, nonostante l’abbacinante sole dell’Almeria (che mai come in questo film sembra un deserto assolutamente privo di vita), con sadismo, torture e violenza a tutto spiano e con il corollario di un incredibile campionario di facce patibolari perennemente avvolte in una maschera di sudore.

La trama, dell’ottimo Ernesto Gastaldi, ha cupi toni biblici e da tragedia greca (il film si chiude con un versetto dal Levitico e il flano di lancio era “Non levare la mano contro tuo fratello, così disse il Signore e l’uomo rispose –Prima che il sole tramonti voglio bagnarmi in un lago di sangue”) ed è permeata da una disperazione, da un cinismo e da una crudeltà anomali perfino all’interno dello stesso genere, tanto che il film uscì in sala vietato ai minori di 18 anni.

Stilisticamente la regia di Alberto Cardone (ma al film collaborò anche il produttore Mario Siciliano) è folle e geniale, con primissimi piani dei volti, degli occhi e di altri dettagli dei personaggi, inquadrature di taglio, lunghe riprese dei personaggi a cavallo accompagnate da una musica straniante, fermo immagini del sole (ora accecante, ora al tramonto, ora coperto da nuvole) a fare da stacco tra le sequenze, personaggi che non vengono presentati ma semplicemente compaiono nell’inquadratura quasi come dei fantasmi (tipo Lo straniero senza nome di Eastwood).

Davvero suggestiva la colonna sonora che alterna stranianti motivetti quasi allegri al cupo rimbombare di ritmi funerei e quasi marziali e particolarmente indovinati anche i costumi e gli arredi, con candele e merletti quasi da film gotico.

Persino il legnosissimo Anthony Steffen, nel ruolo di un Clint Eastwood in versione tragica, funziona alla perfezione e anzi la sua povertà espressiva diventa quasi un valore aggiunto al fascino del film. Ma l’autentico mattatore e pezzo forte della pellicola è uno straordinario Gianni Garko che impersona, in una furente e rabbiosa interpretazione alla Klaus Kinski, il General Sartana, sadico personaggio dedito a orge di sangue e deliri di violenza, che ha il suo quartier generale in un tempio azteco e che bacia il medaglione che tiene al collo prima di ammazzare qualcuno.

Molto valida anche la componente femminile, con in testa un’Erika Blanc purtroppo sempre completamente vestita. Bello il gioco di parole del titolo, con i mille dollari che sono il valore della collana portata al collo dalla madre dei protagonisti, perennemente vestita a lutto.

Western notevolissimo (Mauro Mihich).

1968 I VIGLIACCHI NON PREGANO di Mario Siciliano

con Gianni Garko, Sean Todd, Elisa Montes, Jerry Wilson, Alan Collins

Se gli altri due possono vantare una loro piccola fama almeno tra gli appassionati del genere, questo terzo film è una perla praticamente misconosciuta, assolutamente da riscoprire. Il budget del film è visibilmente di serie B, ma le idee e la classe sono di serie A. Della mancanza di soldi soffre solo qualche scena d’azione un po’ confusa. È un ottimo esempio del clima nero e pessimista che aleggiava nel western italiano nel 1968, si vedano altre pellicole di quel periodo come “Cimitero senza croci”, “Black Jack”, “Sentenza di morte”.

Esordio come regista di Siciliano, che comunque già prima pare seguisse molto da vicino le riprese dei film che produceva. Purtroppo in nessuna delle molte pellicole che girerà in seguito (tra cui molti porno) ritroverà lo stile di questo suo primo film. Ottima la sua rigorosa e austera regia, quasi tutta costruita sui dettagli. Uno stile che crea sequenze quasi da film horror. La parte centrale è un po’ dispersiva, ma l’inizio e tutto il secondo tempo sono da urlo.

Il vero protagonista del film è il cattivo di uno strepitoso Gianni Garko che fa ancora lo psicopatico come in “Mille dollari sul nero”. È raro trovare un villain dalla personalità tanto complessa in un western, non solo italiano. Nello splendido prologo lo vediamo come un amorevole marito, ma arrivano quattro disertori che dopo averlo messo fuori combattimento stuprano e uccidono la moglie. Sulle note della bella e malinconica musica di Manuel Parada, scorrono i titoli di testa su un memorabile primissimo piano di Garko svenuto. Al suo risveglio, come dopo un sogno, ha dimenticato tutto. Da quel momento ogni cosa che gli ricorderà il trauma della morte della moglie provocherà in lui una follia omicida. Nel corso del film sembrerà fare di tutto per diventare simile agli assassini della moglie (che sono stati impiccati, anche se lui non lo saprà mai) e farsi così uccidere dall’uomo che lo ha salvato. “Tutto quello che mi è successo è come se lo avessi visto succedere ad un altro! Tutto quello che ho fatto mi sono trovato a farlo senza accorgermene!” confessa nel gran finale, una resa dei conti in una miniera illuminata da luci espressioniste. Personaggio d’antologia del genere.

Pur rispettando i meccanismi della spettacolarità di un film di serie B, l’intero film è un bel groviglio psicologico. Tutti i personaggi sembrano fare scelte masochiste e autodistruttive. Per quanto più convenzionale rispetto alla sua nemesi, anche il personaggio del buono alla fine rinuncerà alla legge a cui era devoto per inseguire la vendetta personale. Non a caso ha il volto ombroso del perennemente accigliato Sean Todd, spesso utilizzato in ruoli da cattivo. Di un gusto quasi surrealista alcune sequenze che lo vedono protagonista, come quella dell'assurda roulette russa con cui viene “risolto” un caso di omicidio, grottesca rappresentazione di come anche la giustizia sia in realtà affidata continuamente al caso. Surreali anche tutti i duelli che costellano il film, ad esempio al buio con la sola luce dei sigari come bersaglio o a cavallo come in un torneo medievale, la cui bizzarria va ad accrescere il clima psicotico e un po’ folle del film.

Tommaso Sega e Mauro Mihich